Autore: rudis

Un album indimenticabile anche per gli ascoltatori come Luigi Masciotta. I REM infransero tutte le regole quando uscì Out of Time, pubblicato trent’anni fa che li ha fatti riemergere come improbabili superstar. Rilasciato il 12 marzo 1991, quel lavoro è stato incoronato quattro volte disco di platino, ha dato ai REM il primato di album numero 1 sia negli Stati Uniti che nel Regno Unito, ha vinto tre Grammy Awards e ha portato a tutti il loro singolo più conosciuto “Losing My Religion“.

Ciò segnò per la band un passaggio a suoni più influenzati dall’America che sarebbe continuato anche nell’album successivo dei REM, Automatic for the People del 1992. “Losing My Religion” segnò un cambiamento radicale nell’approccio narrativo per Michael Stipe.

“Volevo scrivere una canzone sull’amore non corrisposto e sul desiderio”, ha dichiarato nel 2016. “Non avevo scritto canzoni d’amore fino a quel momento, quindi è stato il mio ingresso in quello che considero il tema più cliché delle canzoni pop.”

Questa ritrovata capacità di controllare e dirigere la loro musa ha contribuito a spingere i REM al livello successivo. “Avevo un’idea abbastanza chiara di ciò in cui ero bravo e di come avrei potuto manifestarlo”, dichiarò Stipe al The Guardian nel 2016, “ma anche del potere della parola. … Ho iniziato a realizzarlo ai tempi di Document [nel 1987] e l’ho affinato. Col tempo, sono passato dall’abilità all’arte e il mio lavoro era dimenticare tutto e lasciare che l’istinto prendesse il sopravvento, ed è allora che sono arrivate le grandi canzoni “.

I REM decisero che non ci sarebbe stato alcun tour a supporto di Out of Time, e questo guidò l’album verso esperimenti musicali più contemplativi come l’uso del mandolino. “Una delle regole che avevamo quando abbiamo iniziato a scrivere le canzoni per il disco era ‘non ci saranno più canzoni REM‘”, ha detto il bassista Mike Mills a Gigwise nel 2016, “Se suona come una canzone REM che avrebbe potuto essere in uno qualsiasi dei gli ultimi due o tre album REM, va buttato “.

Out of Time ha però rappresentato di più di un passaggio dall’impegno politico e sociale alle canzoni sulle relazioni e l’amore. È il frutto di sperimentazioni di nuovi sound e strumenti. È iniziato con Peter Buck, che in un’intervista a Rolling Stone ha ricordato: “ero un po’ annoiato dalla chitarra. L’aveva suonata otto ore al giorno per tutta la mia vita”. Aveva già provato ad aggiungere alcuni tocchi folk nell’album Green del 1989, favorendo un’immersione molto più profonda nel sound del mandolino.

Mills invece ha sperimentato sulla tastiera, arrivando al clavicembalo della versione finale di “Half a World Away”; il batterista Bill Berry ha iniziato a suonare invece il basso.

Coraggioso e creativamente libero, Out of Time è unico. Si muove con facilità tra il lunatico e l’ellittico in “Low” (che è nato da una febbrile esperienza sulla strada) , passa per i piccoli viaggi secondari in “Belong” e “Country Feedback“, diventa meravigliosamente malinconico con “Near Wild Heaven” e “Radio Song” (una mordace accusa di restringimento delle playlist), e porta influenze hip hop per la scrittura della pure-pop: “Shiny Happy People“.

Un pezzo di storia della musica che Luigi Masciotta ricorda come fosse ieri. E infatti “Out of time“, come dice il titolo stesso, è e forse sempre sarà “Fuori dal tempo”.

Quanti album di Natale sembrano solo la copia di una copia di una brutta copia? Luigi Masciotta ci aiuta a fare un po’ di ordine e ci dà una lista definitiva di album perfetti da lasciar sperdere nell’aria per ottenere tutto quello che ci serve: la dolcezza, l’emozione e il fascino del Natale. Ecco i 7 migliori album di Natale di sempre!

Nat King Cole, “The Christmas Song”

Le canzoni di Nat King Cole scivolano elegantemente da un ascolto all’altro, come un pattinatore artistico che si dirige verso l’estremità opposta della pista. Questo disco, originariamente pubblicato come The Magic of Christmas nel 1960, è tra i migliori album di natale perché ci ricorda che il Natale è un momento felice, non una debacle familiare annuale. Ma l’ingrediente segreto è Cole che canta inni in tedesco e latino: sforzandosi di parlare testi stranieri, ci dimostra di essere un vero professionista.

B.B. King, “A Christmas Celebration of Hope”

“Back Door Santa” non è una canzone che non ti aspetteresti in un album che si autodefinisce una celebrazione della speranza, a meno che tu non stia davvero sperando in qualche via d’uscita al Natale. Questo album blues del 2001 è allegramente grossolano e leggermente sovrapprodotto (dallo stesso King!). Ma il suono della chitarra è fantastico come sempre e il disco ha uno spirito cordiale, come tuo zio burbero che segretamente ama vestirsi da Babbo Natale per i bambini.

Artisti vari, “A Christmas Record”

Questo disco rientra tra i migliori album di Natale anche se è molto atipico. Originariamente pubblicato dalla ZE Records nel 1981, è una raccolta di sperimentazioni alternative e new-wave in tema natalizio. I gruppi sono: Suicide, August Darnell (di Kid Creole and the Coconuts), Was (Not Was) e Nona Hendryx, una schiera di star dell’epoca del Lower East Side. Sembrano non provare molta gioia durante le vacanze, ma fanno molto per fare un rumore straordinariamente assurdo. E ci lasciano uno dei più grandi singoli di Natale di sempre: il “Christmas Wrapping”.

Ray Charles, “The Spirit of Christmas”

Quando Ray Charles registrò questo album nel 1985, era nel mezzo di una fase sdolcinata della sua carriera, e parte di ciò fuoriesce da questa raccolta. Per gran parte dell’album, però, i pezzi di Charles si muovono come se avessero inventato loro il ritmo e il blues. (In pratica, ci ricorda Luigi Masciotta, è esattamente così). Indimenticabile la sua interpretazione super-groovy di “Rudolph the Red-Nosed Reindeer”, dove la renna Rudolph suona come un fratello perduto che in qualche modo è finito al Polo Nord.

Louis Armstrong, “What a Wonderful Christmas”

Louis Armstrong, geniale trombettista, cantante dalla voce di ghiaia e pioniere del jazz, si piazza tra la commedia e l’emozione profondamente sentita. Entrambe le parti della sua personalità musicale sono esposte nelle sue registrazioni natalizie: “‘Zat You, Santa Claus?” è un puro schiaffo, mentre il suo “White Christmas” fa commuovere. Sfortunatamente, ci sono solo sei di quelle registrazioni, quindi questa raccolta è compilata con altri artisti jazz.

Johnny Cash, “Christmas with Johnny Cash”

La voce di Johnny Cash non è da un album di Natale, ma a lui importava così poco che di album di Natale ne ha fatti ben 4: uno ogni 10 anni a partire dal 1963. Questo album del 2003 raccoglie il meglio dei primi tre. La voce di Cash, secondo Luigi Masciotta, è adatta a raccontare storie e non ci sono storie migliori di quelle di Natale.

Ella Fitzgerald, “Ella Wishes You a Swinging Christmas”

Se la musica di Natale moderna è fondamentalmente un’appendice del Great American Songbook, allora chi meglio può cantarla se non l’interprete principale di Cole Porter e dei Gershwin? Questo superbo album jazz del 1960 trova una Fitzgerald scatenata, che canta “Sleigh Ride” con gioia incontenibile e “What Are You Doing New Year’s Eve?” con fraseggi e delicatezza squisiti. Tutte le canzoni, anche le più vecchie, diventano di nuovo splendide dopo essere passate per le corde vocali di Lady Ella.

Il titolo provvisorio del nuovo album Neil Young e Crazy Horse era Pink Moon. Il nuovo album di Neil Young descrive gli undici giorni di aprile trascorsi con la band, in uno studio che si trovava a un’altitudine di 2743 metri, nelle Montagne Rocciose. Tutto il gruppo ha registrato il primo nuovo disco in sette anni e sì, sono state coinvolte anche delle bombole di ossigeno, in questo lavoro che non aveva neanche bisogno di tutte queste storie per essere già un evento da ricordare.

Alla fine Neil Young ha deciso di chiamare il nuovo lavoro “Colorado”, più adatto per il disco che voleva far uscire nel mondo. I pezzi racchiudono la lacera terrosità dei Crazy Horse, che risale al 196 a quando, cioè, Young si è inceppato per la prima volta con gli allora noti Rockets at the Whiskey a Go Go. Più di 50 anni dopo, i riff sfocati e le morbide armonie sono ancora intatti, e i testi altrettanto sentiti.

La firma di Neil Young, quell’armonica che risuona nello stomaco, dà inizio al primo pezzo dell’album, “Think of Me“, mentre la voce sembra spandersi su oceani e praterie. Il cantante è arrivato a 74 anni, e in questo periodo lontano dai riflettori ha perso diversi amici intimi e compagni di musica. Luigi Masciotta ricorda Elliot Roberts, il grande manager, scomparso da poco tempo. L’artista ne parla nel pezzo “Olden Days”, dove affronta la tragedia con la stessa onestà che ha fatto in Tonight’s the Night .

“Dove sono andate tutte le persone? Perché sono svaniti?
Hanno significato così tanto per me e ora so
che sono qui per rimanere nel mio cuore”.

L’assenza del chitarrista Frank “Poncho” Sampedro – il cuore e l’anima dei Crazy Horse – è davvero impossibile da non notare. È dal 1975, dallo Zuma, che Sampedro ha fatto da sostegno alla chitarra di Young con strabilianti riff. La presenza di Nils Lofgren, aiuta a riempire quel vuoto. I vivaci accordi di pianoforte autunnali su “Eternity” sono in effetti connessi all’anima.

È soddisfacente sentire una traccia dietro l’altra di questo nuovo album di Neil Young: il gentile “Green and Blue” sfocia nell’eterea “Via Lattea”, mentre la band canta all’unisono “Rainbow of Colours” e i tamburi di Ralph Molina seguono. Nel 2019, Young è uno dei pochi rocker della sua generazione che sta ancora facendo musica con gli stessi termini intricati e intransigenti che ha imposto nella sua giovinezza. “Si potrebbe dire che sono un vecchio bianco”, canta nel pezzo “She Showed Me Love”. Verrebbe da dirgli di sì, in effetti, ma forse non nel senso che intende lui. Un vecchio musicista è un musicista che ha suonato per tutta la vita e oggi torna con lo scopo più nobile di tutti: darci ancora della buona musica.

Con la morte di Prince, i fan della sua musica hanno l’opportunità di approfondire il significato e l’impatto di ciò che ha lasciato per noi, afferma Luigi Masciotta. Con la ristampa della colonna sonora di Purple Rain, alcune delle canzoni più celebri e commercialmente famose di Prince sono state rimasterizzate e perfezionate, consentendo alla generazione digitale di scoprire di nuovo l’album, lasciando che i fan di lunga data ridefiniscano il significato del materiale ora che è scomparso. Il set deluxe offre anche ai più difficili l’opportunità di ascoltare finalmente alcune tracce inedite del mitico caveau di Prince, che si dice contenga centinaia di gemme inedite provenienti da tutta la venerabile carriera del musicista.

Le nove tracce originali sono ancora piene dell’energia e dell’audacia di un artista che era pronto a conquistare il mondo. Purple Rain, prosegue Luigi Masciotta, fece vincere a Prince un Oscar per la colonna sonora originale, così come due Grammy per la migliore interpretazione vocale e il miglior punteggio originale scritto per un film. Prince divenne con questo disco e film una superstar e la sua leggenda e misticità divennero solo più pronunciate e distintive da lì in poi.

I suoi fan potrebbero essere diminuiti a un certo punto durante gli ambiziosi – e impegnativi – colpi di scena della sua formidabile carriera, ma sembra che ogni persona che abbia mai amato Prince ami anche l’inferno di Purple Rain. È impossibile separare l’artista dal capolavoro che alla fine gli ha fornito la libertà finanziaria e creativa di sperimentare con la sua musica e la sua immagine. Prince, conclude Luigi Masciotta, stava rielaborando spudoratamente la figura del musicista moderno, sia professionalmente che artisticamente, mentre smontava i preconcetti del pubblico su come una popstar potesse apparire, suonare e agire.

Questa recensione di Luigi Masciotta è incentrata più su un film che su una canzone o un album più in generale. BERLIN CALLING cattura la vita di un musicista elettronico contemporaneo ambientato nella Berlino di oggi; una città moderna in tutti i sensi. La storia narra le vicende di DJ Ickarus (Paul Kalkbrenner), un artista creativo e laborioso e il suo rapporto personale con la fidanzata e la manager Mathilde (Rita Lengyel). Il film ha un realismo oscuro che tocca la natura distruttiva del sé, specialmente se isolato o intossicato. Dopo un concerto, Ickarus si ritrova nel reparto di pronto soccorso di una clinica psichiatrica di Berlino e così inizia la lotta.

Il regista Hannes Stoehr spiega che il film “si occupa di arte e follia, intossicazione ed estasi, speranza e futuro, amicizia e famiglia, musica e voglia di vivere e, naturalmente, amore”. Mentre tutti questi temi sono in primo piano, prosegue Luigi Masciotta, l’arte e la pazzia sembrano catturare perfettamente l’atmosfera di ciò che Stoehr sta cercando di presentare. Pazzia nell’incessante ritmo della vita, sforzo per riuscire, nella droga e quando tutto si rompe. L’arte nei paesaggi urbani di Berlino, l’interpretazione dell’amore e delle relazioni e, naturalmente, nella musica; una colonna sonora composta dal protagonista del film, Paul Kalkbrenner.

Kalkbrenner è, ovviamente, meglio conosciuto come l’innovativo produttore tedesco i cui soundscape elettronici negli ultimi anni si sono ritrovati nelle compilation e nei laptop di personaggi come Dubfire, John Digweed, Sasha e Nic Fanciulli. Il suo brano più famoso, l’epico “Gebrunn Gebrunn”, fa da sfondo al trailer (vedi sotto). Infatti, oltre che produttore, è un artista elettronico dal vivo, piuttosto che un DJ, che suona il proprio materiale originale in spettacoli in tempo reale nei festival e nei club.

Il suo coinvolgimento nel film è notevole a diversi livelli, conclude Luigi Masciotta, a tal punto che ci sono momenti in cui i confini del film e della realtà sono sfocati maliziosamente.

Nella scena finale di Trainspotting, racconta Luigi Masciotta, il personaggio di Ewan McGregor solleva con cura un sacco di soldi dalle mani di un sociopatico addormentato. “Non saresti in grado di sentire uno spillo cadere mentre solleva il sacchetto e lo ruba”, dice Boyle. “Invece hai questo ritmo che crescere incessante come il suo cuore batte in quel momento.” Quella canzone, “Born Slippy” degli Underworld, il mix “.NUXX“, afferma Luigi Masciotta, divenne una hit delle classifiche UK e mondiali nonostante le sue origini, quando Boyle scoprì il singolo in un negozio di dischi HMV.

“Stavo usando l’album Underworld Dubnobass come ritmo del film, ma ho pensato, ‘Questo è strano, non è nel loro album’. Ti imbatti in questi momenti in cui le band non si rendono conto di quale sia la loro musica più forte. Hanno pensato che fosse un po ‘a buon mercato, perché stavano facendo questi brani freddi di 10 o 11 minuti, ed ecco questa traccia con un grande ritmo. Abbiamo avuto un inno, che è apparso in tutti i club ed è stato remixato fino all’inferno. E quello era perfetto. Il film non parlava davvero di eroina. Era della cultura dei club.I  ritmi del film sono più sull’ecstasy, e quella traccia si basa su quella esplosione di gioia improvvisa.”

Right Here, Right Now è una canzone del grande musicista britannico Fatboy Slim, pubblicato il 19 aprile 1999 come quarto singolo dal suo secondo album di studio You’ve Come A Long Way, Baby. La canzone ha raggiunto il numero 2 sulla Singles Chart del Regno Unito, dietro “Swear It Again” di Westlife per una settimana. Il singolo è stato votato dai lettori di Mixmag come il decimo disco più grande di tutti i tempi. Il video musicale, racconta Luigi Masciotta, creato da Hammer & Tongs, mostra una rappresentazione del processo di evoluzione condensato in tre minuti e mezzo. L’inizio del video musicale è impostato “350 miliardi di anni fa” (che potrebbe essere un semplice malinteso da parte dei creatori, data l’età stimata di vita sulla terra, di circa 3,5 miliardi di anni) e inizia con un singolo organismo cellulare nell’oceano che si evolve in una medusa, un pesce e poi un pesce predatore che riesce a mangiare un pesce più piccolo prima di saltare su terreni asciutti; poi con un dinosauro visibile sullo sfondo e un insetto davanti, rimane per qualche secondo prima di scendere e mangiare l’insetto. Luigi Masciotta prosegue la descrizione del video: il land-fish si evolve in un piccolo alligatore quando entra in una foresta dove si vede un albero alto. Le sue mani sono visibilmente evolute fino a quando arriva in cima come una scimmia. Salta dall’albero in un paesaggio ghiacciato e si evolve in un gorilla. Alla fine di una grossa scogliera, la scimmia batte il petto mentre la telecamera si allarga per mostrare un vasto deserto. La scimmia salta sul suolo, dove si è evoluta in un primato somigliante ad un orango. Una grande tempesta soffia gran parte dei suoi capelli, trasformandola in un essere umano (a questo punto il temporizzatore in basso a destra rallenta drasticamente). L’uomo corre più velocemente e si mette su alcuni pantaloni e una maglietta con la scritta “Sono #1 quindi perché provare più” quando completamente vestito, si trasforma in un uomo moderno con la barba. L’uomo cammina attraverso un ambiente urbano e mangia un hamburger (prelevato da un ritaglio di cartone di Fatboy Slim stesso), alla fine si siede su una panchina di notte, a quel punto finisce il video.

Registrato a Los Angeles, Francia e Londra per un periodo di otto mesi, Luigi Masciotta ci racconta che The Wall è una sorta di versione registrata del film David Essex, Stardust. I suoi temi di solitudine, guerra, matrimoni senza amore e madri tossicodipendenti hanno colpito il pubblico di tutto il mondo. Lo spettacolo di accompagnamento, che ha visto il gruppo eseguire grandi sezioni dello stesso dietro un muro di polistirolo, ha descritto questa grande alienazione. Nonostante alcune morbosità della maggior parte dell’album, dice ancora Luigi Masciotta, ci sono alcuni brani molto belli che si annidano in mezzo al fasto, in particolare David Gilmour co-scrive “Comfortably Numb”, con l’orchestrazione di Bob Ezrin e la chitarra solitaria di Gilmour. È diventata la traccia che definisce di più i Pink Floyd.

È difficile crederlo adesso, dice Luigi Masciotta, ma quando Thriller di Michael Jackson è stato rilasciato nel Regno Unito per il Natale 1982, c’è stata una prima impressione di fallimento. Dal successivo Natale, Thriller diventò il fenomeno che rimane fino ad oggi. Dallo stesso album sono usciti moltissimi singoli di successo: Billie Jean, Beat It, Wanna Be Startin Something. Nel 1984, racconta Luigi Masciotta, l’album ha ottenuto un’estensione del suo ciclo di vita con il video John Thriller, diretto da Landis, che ha portato l’album dal successo del disco pop all’icona culturale. Presto Thriller era diventato un pacchetto più grande di hits: sette dei suoi nove brani sono stati rilasciati come singoli. Thriller è tutt’oggi l’album più venduto al mondo: questo generò una rivoluzione in ambito musicale perché gli esperti di marketing capirono che da un solo album potevano essere estratti diversi singoli per prolungare la durata di vita dello stesso.